jueves, 2 de abril de 2015

La Rendicion De Breda


La rendición de Breda

Encuadre:

  • Género: pintura (óleo sobre lienzo)
  • Título: La rendición de Breda
  • Autor: Velázquez
  • Cronología: 1634-1635
  • Estilo: Barroco
Análisis:
La obra que se aprecia es una pintura de Velázquez, realizada en el siglo XVII para la decoración del Palacio del Buen Retiro, mandado por el Conde-duque de Olivares bajo el reinado de Felipe IV.
En esta obra se representa la victoria de las tropas españolas, que se encuentran a la derecha con el general Ambrosio de Spínola.

Por otro lado el gobernador Justino de Nassau entregando las llaves de la ciudad con el resto de su ejército .

En el fondo de la representación pictórica, el cielo se encuentra oscurecido por los efectos del combate entre los dos ejércitos, también se aprecia algunos edificios de la ciudad, haciendo perspectiva con el conjunto de lanzas de los flancos.
Comentario:
En la imagen, como se ha nombrado anteriormente, está compuesta por dos grupos de personas, dando lugar a las tropas españolas a la derecha y a las de Flandes a la izquierda, en los extremos de los grupos y en los del cuadro, cierran las lanzas que portan los soldados y en el centro los generales de ambos ejércitos, Ambrosio de Spínola y Justino de Nassau, todo ello envuelto en un ambiente apagado, con un cielo oscuro a causa de la batalla, mientras que la cuidad se encuentra a lo lejos.
Velázquez al realizar este cuadro no sigue las formulas clásicas de representar al vencido humillado y al vencedor poderoso, sino que mas bien se aprecia simpatía entre ambos y respeto mutuo que se transmite al resto de personajes que se encuentran en orden y tranquilos.
Contexto histórico:
Tras la Tregua de los Doce años, Felipe IV quiso recuperar Breda por su gran valor estratégico, desde el punto de vista de las futuras conquistas.
Dando lugar a dicha batalla, cuya entrevista entre ambos generales fue elegida por Velázquez para pintar el cuadro.

martes, 10 de marzo de 2015

La Tempestad de Giorgione


Comentario de la obra:

Clasificación de la obra:

  1. Género: Pintura.
  2. Título: La Tempestad.
  3. Autor: Giorgione.
  4. Cronología: Esta obra está realizada en 1508.
  5. Ubicación: Galería de la academia Venecia.

 

Análisis:

Este cuadro es lienzo pintado con la técnica del óleo, que consiste mediante aceite de origen vegetal, se mezclan pigmentos con aglutinante.

Pertenece al periodo renacentista, que se caracteriza por, como se aprecia en la representación, presencia de la naturaleza, El humano como centro de este estilo, gran uso de la perspectiva y presencia del desnudo entre otras características.

En la obra se aprecia una mujer, amamantando a su hijo, ha dado lugar a diversas interpretaciones, entre ellas, que representaba la pureza y la belleza por estar casi desnuda, y otras que decían que es una representación de la Virgen María.

La mujer se encuentra en un entorno en el que se observa unas viviendas de fondo y un río con un puente, además de estar un hombre junto a una columna rota mirándola.

 

Comentario:

En el conjunto del cuadro, se mezcla una escena aparentemente natural con un importante contenido simbólico, el hombre que se encuentra junto a la mujer, simboliza la fortaleza y la firmeza y que está al lado de las columnas que también tienen el mismo significado, al estar rotas, para los expertos, expresan la muerte.

El cielo del paisaje está compuesto por claros en la izquierda y a la derecha hay nubes oscuras, concentrándose en mayor medida al fondo de la perspectiva mientras irrumpe un rayo indicando que se acerca la tormenta. Esta obra supone el inicio de la pintura veneciana.

 

Contexto histórico:

Esta escuela se desarrolla con cierta independencia, centrándose en la ciudad de Venecia, plasmándola en pintura sobretodo y reuniendo y destacando las características anteriormente citadas.

En el S XVI la península itálica era el centro del arte donde se desarrollaban las técnicas pioneras que años e incluso décadas después adoptarían otros pueblos.

Este periodo destacaba por un gran esplendor y desarrollo de las artes.

martes, 9 de diciembre de 2014

Escultura ecuestre del Emperador Carlomagno


Escultura ecuestre del emperador Carlomagno:

Clasificación de la obra:
Género: Escultura. Museo del Louvre, París.
Título: Escultura ecuestre del emperador Carlomagno.
Autor: anónimo
Cronología: Es una obra del siglo VIII.
Análisis:
La obra es una escultura de bulto redondo, hecha en bronce,  con la finalidad de perdurar, ya que el bronce es resistente al paso del tiempo, como podemos ver, que es una obra del siglo VIII, y se conserva casi en perfectas condiciones.
La escultura está sustentada gracias a las patas del caballo, a excepción de la pata derecha delantera que se sitúa  alzada, dando un paso, creando una escena con movimiento y equilibrio de la composición. Además otro elemento destacable del caballo es la crin, cuidadosamente esculpida simulando un gran realismo acompañando al movimiento de la escena.
Carlomagno está representado con medidas un tanto desproporcionadas, a pesar de ser un hombre alto, tiene la intención de remarcar la importancia y poder de su figura ante el resto, recurriendo a una representación mayor.
Se puede ver a simple vista que viste sencillamente, con una larga capa, botas y la corona de emperador, sin expresión en el rostro, gesto firme portando una esfera en su mano derecha, mientras que con la izquierda guía al caballo.
Comentario:
En la Edad Media el emperador tenia la máxima autoridad estando todo lo demás subordinado a su persona a excepción de Dios.
Como se puede ver al emperador, portando una corona en la cabeza, símbolo de poder, acentuado por ser esculpido encima de un caballo poderoso, además de llevar una espada que casi no se aprecia, pues  se encuentra casi tapada, escondida con la capa de la figura.
Este personaje de la historia fue coronado emperador por el propio Papa, otorgándole aún más poder y prestigio a su imperio, que apenas duraría unos años después de su muerte.
Contexto histórico:
Durante el Imperio Carolingio se intentó recuperar las costumbres anteriores, tanto políticas, culturales y religiosas.
Además de ampliar su imperio con numerosas batallas,  hizo extender la cultura carolingia por sus fronteras,  asentando las bases de la Europa occidental en el Medievo.

jueves, 9 de octubre de 2014

Akenatón (Amenhotep IV)


ENCUADRE:

Cronología: 1372 A.C.- 1336 A.C.

Familia:  

  • Padres: Nebmaatra (Amenohtep III) y Tiy.
  • Gran esposa real: Nefertiti.
  • Hermanos: Sitamón, Henuttaneb, Isis, Nebetta, Baketatón y Tutmose.
  • Heredero: Tutankamón.

Reinado: 1353-1336 A. C. (décimo faraón de la dinastía XVIII de Egipto)

Reformas: Artísticas, Religiosas y Políticas.

ANÁLISIS:

Comenzando por su nombre,  Amenhotep,  (hágase la voluntad de Amón),  que el mismo cambió por Akenatón (útil a Atón), tras llevar a cabo varias reformas.

Es hijo de Nebmaatra (Amenohtep III) y Tiy además de ser padre de Tutankamón, uno de sus hijos que llegó a ser faraón.

Su esposa real fue Nefertiti, famosa por su belleza y sus dotes de gobernante.

También contaba con seis hermanos entre los cuales él era el pequeño de los varones.

Amenhotep IV reinó alrededor de 17 años. En sus primeros cinco años promovió principalmente  obras de arquitectura, pero en los últimos doce años de faraón,  hizo de ellos una etapa histórica que es conocida como período de Amarna.

COMENTARIO:

Centrándonos principalmente en el apartado artístico de éste período, Akenatón revolucionó el estilo artístico que se encontraba en Egipto durante miles de años inalterable.

Se dejó a un lado el Hieratismo típico de las representaciones egipcias para adoptar el naturalismo, como representan algunas estelas de la vida cotidiana del Faraón.

En sus esculturas se aprecian las siguientes diferencias respecto a los demás:

Mentón y cuello alargado, con el torso y hombros estrechos y labios gruesos.

También disminuyó la representación religiosa además  la decoración de la misma en las estancias reales, sustituida  por escenas del Faraón que se muestra más cercano al resto de personas y menos idealizado.

También  llevó a cabo reformas religiosas en sus años de reinado , como nombrarse único representante de los Dioses en la Tierra con la consecuencia de inutilizar la casta sacerdotal y la eliminación de figuras humanizas que componía el arte egipcio, incluso los templos se transformaron en lugares abiertos donde cualquiera podía  contemplar la divinidad.

Además en el ámbito político  logró afianzar su poder como Faraón gracias a las reformas,  también mantuvo el sistema de alianzas que heredó de su padre y prosiguió con el trato y los acuerdos con las diferentes potencias extranjeras, (según las cartas de Amarna).

CONTEXTO HISTÓRICO:

Egipto fue un país y una civilización marcada por la geografía: rodeado de desiertos, el Nilo era la razón de ser del país, ya que las inundaciones periódicas del río proporcionaban la riqueza y la fertilidad en la agricultura. Este aislamiento geográfico y esta visión cíclica de la naturaleza contribuyeron a un orden y unas creencias que había que mantener inalterables, lo que explica la poca evolución y el mantenimiento durante tres mil años de las ideas y las costumbres egipcias. En este estado de cosas, el faraón era la piedra angular, puesto que como representante de los dioses en la tierra, con un carácter divino, era el que debía mantener la inmutabilidad de las creencias y la permanencia en el poder.

Su poder era absoluto sobre una sociedad resignada al trabajo y a que las cosas se mantuviese como estaban. La religión también impregnaba todo los estrados de la vida egipcia, pues estamos ante una sociedad teocrática con una fuerte importancia de los templos y las castas de sacerdotes. En esta vida religiosa era muy importante la creencia en la vida de ultratumba, pues los egipcios creían que el alma pervivía después de la muerte y necesitaba todo lo que había tenido en esta vida; ello explica la importancia de las tumbas en el arte, monumentalismo, colosalismo, racionalismo matemático, abstracción, simbolismo y eternidad son conceptos que desprendes los modos de vida egipcia y que tendrán su reflejo en la cultura y en arte.